Obra sobre papel: los libros más recomendables en estas fechas

  1. Tiempo para la reconciliación

    Javier Viver, en su estudio – Ignacio Gil

    «Cristos y Anticristos». Javier Viver RM Verlag. Barcelona, 2020,192 páginas, 35 €.

    Hay libros en los que su tamaño físico y material no se corresponde con el emocional y evocador. Este es, no me cabe duda alguna, el caso de Cristos y Anticristos, la publicación más reciente de Javier Viver. Entre sus frágiles dimensiones de 13 x 9 cms. se despliega una amplia, diversa y potente galería de sentimientos, ideas, pasiones, imágenes, memorias y emociones que lo convierten en una pequeña-gran joya bibliográfica. El formato libro es un paisaje en el que Viver se mueve con eficacia y curiosidad desde hace ya tiempo, como ha podido verse en otras publicaciones previas, especialmente en su anterior fotolibro Révélations, con imágenes de la Iconographie de la Salpêtrière, que fue galardonado con el Premio Nacional al mejor libro de arte de 2015.

    En esta nueva obra, el artista elige como soporte un ejemplar de bolsillo del Evangelio según San Mateo, publicado en Madrid por la Sociedad Bíblica B. y E. en 1930. A partir de ello consigue generar un singular, contrapuesto y emotivo diálogo entre sus versículos y una serie de fotografías históricas de archivo de la Guerra Civil española y de la profanación de imágenes religiosas. La observación de esos dos niveles de expresión tan dispares, textos sagrados e imágenes históricas, muchas de ellas de durísima contemplación, da lugar a un sentimiento contradictorio, pero al mismo tiempo muy fecundo y positivo, en el que aspectos como la iconoclastia, la violencia, la muerte, la pasión y –¿por qué no?– la reconciliación, acaban por crear en nosotros, como lectores-espectadores, una elevada temperatura visual y emocional.

    El libro se complementa también con una colección de estampas o sellos, parecidos a los de las cartillas de racionamiento de aquella época, que tienen en su reverso imágenes de distintos carteles de nuestra Guerra de ambos bandos, y que se presentan perforadas para que el lector pueda intervenir igualmente de una manera relacional, completando la historia y dándole diferentes sesgos. Así, lo documental y lo ficcional, lo real y lo imaginario, conviven expresivamente, a veces en armonía, y en otras provocando interesantes fricciones y ficciones. Precisamente esta posibilidad de construir distintas y abiertas lecturas, sin una única posición ideológica o doctrinaria, y sobre todo el halo de comprensión, dialogo y mediación entre pasiones tan opuestas, que flota por las páginas de este volumen, es, a mi juicio, su principal y más conseguido haber.

    Por Francisco Carpio.

  2. Merecido homenaje

    Escultura de Roberto Michel

    «Roberto Michel. Escultor del Rey». Varios autores. Museo Casa de la Moneda, 2020. 473 págs., 80 €

    Esta imponente publicación puede ser un magnífico regalo navideño para el lector interesado en la figura de Roberto Michel (Le Puy en Velay, Francia, 1770-1786, Madrid), a quien el Museo de la Casa de la Moneda dedica estos meses su primera gran exposición, donde se recoge el vasto legado de quien fuera Primer Escultor de Cámara del Rey Carlos III, cuando se cumple el Tricentenario de su nacimiento.

    Se trata de un lujoso libro, en el que destacar el diseño sobrio pero moderno a cargo de Trem Studio, y en el cual hasta el papel de aguas de la cubierta lleva una firma detrás, delatando el gusto por los detalles que el lector agradecerá a lo largo de sus páginas. Pero la ambición editorial no recae sólo en su magnífico formato y la presencia final, sino que sus contenidos suponen un verdadero espaldarazo al artista franco-español, saldándose la larga deuda pendiente con Roberto Michel, de quien el Museo de la Casa de la Moneda atesora la mayor colección de sus trabajos que existe en el mundo. Colección privada del artista que, tras curiosas y sorprendentes vicisitudes, terminó depositada allí. Justo es, pues, que la casa le rindiera finalmente este tributo que ha tardado en poderse llevar a cabo.

    Para los estudiosos habrá merecido la pena la espera, pues el libro supone la catalogación completa y el estudio de las obras depositadas en la institución, que comprende academias, dibujos, bocetos y modelos en cera, escayola y terracota. En paralelo a la presentación de las piezas, el volumen desglosa diversos aspectos de la vida y el trabajo en la corte, en especial sus labores en el embellecimiento de la ciudad de Madrid y los Reales Sitios, su papel en la creación de la Real Academia de San Fernando, así como la situación actual de los estudios sobre el artista, por parte de siete ensayos específicos a cargo de Isabel Encinas Bodega, comisaria de la exposición, y otros autores.

    Recomendaría al lector tanto la lectura y el disfrute de estas páginas, como el de la propia exposición que permanece abierta todavía estos días en la sede de O’Donell, y cuyo cierre se atrasa hasta finales del próximo enero. En especial las cualidades de Michel como dibujante me parece que sorprenderán a muchos, aficionados al arte contemporáneo incluidos, en cuanto a versatilidad, dominio técnico, por ocasiones en sus temas, pero sobre todo por su capacidad para plasmar ideas complejas.

    Por Óscar Alonso Molina

  3. Santiago Sierra, abierto en canal

    «Línea tatuada en la espalda de personas pagadas por ello», una de las obras del español

    «Explotación: Santiago Sierra y la historicidad del arte contemporáneo». Georg Imdahl. Museo Helga de Alvear / This Side Up, 2020. 208 págs., 16 euros

    Santiago Sierra (Madrid, 1966) es conocido entre nosotros casi exclusivamente por sus obras de crítica política y de carácter escandaloso: algunos ejemplos son sus comparecencias en ARCO 2019 y 2018, su Pabellón de España en la Bienal de Venecia de 2013… Como dice Georg Imdahl en este libro, este creador es ya un clásico del arte conflictivo.

    Sin embargo, es también seguramente uno de los artistas españoles con mayor trayectoria internacional. En su página web pueden leerse los más de cincuenta países en los que ha expuesto, desde Vietnam a Guatemala, pasando por Islandia, con un trabajo de denuncia social y política claramente comprometido.

    Por ello es muy interesante el punto de vista adoptado por Imdahl en este volumen, en el que se presenta la obra y la trayectoria de este autor en relación con los grandes movimientos de vanguardia de la última mitad del siglo XX, otorgándole con ello una cierta «canonización» oficial dentro de la Historia del Arte.

    La sorpresa es que, lejos de vincularlo explícitamente con la tradición de un arte político y de crítica social, Imdahl lo relaciona con la tradición formalista, y lee su trabajo en clave postminimal. Como si los grandes referentes de Santiago Sierra fuesen Donald Judd, Robert Morris, Carl Andre y Richard Serra.

    Y es cierto que, en sus primeros trabajos de los años noventa, el madrileño adoptaba una cierta actitud formalista, y es posible que esas referencias se mantengan en algunas de sus instalaciones de cajas, en las que se remuneraba a gente para permanecer en su interior durante horas. Sin embargo, vincular con la tradición formalista de la Antiform de Eva Hesse la polémica intervención de Pullheim en 2006 –en la que una sinagoga era simbólicamente convertida en una cámara de gas– puede parecer una relación un poco traída por los pelos.

    Por Miguel Cereceda

  4. Lo que necesitas es humor

    Hidrogenese, invitados de honor en «Humor absurdo» (CA2M)

    «Humor absurdo». Mery Cuesta (coord.). CA2M y Astiberri, 2020. 296 páginas, 24 €.

    El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, dependiente de la Comunidad de Madrid, acogió el pasado mes de febrero la exposición Humor absurdo: una constelación del disparate en España, comisariada por Mery Cuesta. Su apertura al público coincidió con la primera ola de la actual pandemia, acontecimiento que hoy recordamos con un desasosiego que no rehúye lo disparatado: fue entonces cuando el papel higiénico voló de los supermercados, lo que dio lugar a divertidísimos memes que inundaron la red.

    Estas últimas descontextualizaciones digitales indagaban en la inexplicable lógica de los actos que parodiaban; y este carácter de dislocación a través del humor es, precisamente, una de las principales características del «humor absurdo», una tipología plenamente asentada en nuestra tradición cultural y que la exposición trazaba a través de posibles constelaciones: de los Disparates de Goya a Ramón Gómez de la Serna, de Jardiel Poncela a Faemino y Cansado, de Chiquito de la Calzada a Miguel Noguera, de Gloria Fuertes a El Hematocrítico, o de Rocío Quillahuaman a Fito Conesa.

    Esta espléndida exposición tiene ahora su réplica en una publicación que no funciona en el sentido tradicional de un catálogo asentado en fichas técnicas. Se trata, por el contrario, de un conjunto de lúcidos ensayos jalonados por numerosas ilustraciones: el volumen se abre con el texto de la comisaria Mery Cuesta, donde subraya el potencial del humor como herramienta para desestabilizar las normas y el consenso.

    En este sentido, su proceso de análisis no incluye retazos de humor casual, sino únicamente prácticas deliberadas, sean cómics, fragmentos de programas televisivos, ilustraciones, artes visuales, cortes de radio, performances o piezas halladas en Internet. Este carácter intencional funciona como un firme parámetro para otorgar solidez a su proceso de investigación: «En definitiva –señala la comisaria–, que Leticia Sabater nos parezca absurda no quiere decir que ella practique el humor absurdo».

    La selección de autores y prácticas del humor absurdo para la exposición se forjó durante los encuentros y las conversaciones cruzadas entre Mery Cuesta y seis asesores especialistas que desarrollan aquí otros tantos ensayos: Joaquín Reyes (humorista), Luis E. Parés (crítico de cine), Gloria G. Durán (académica especialista en vanguardias), Gerardo Vilches (crítico de cómic) y Desirée de Fez (especialista en cine y cultura en internet). El resultado es una antología imprescindible de algunas de las mejores barrabasadas y disloques trazadas por la cultura española contemporánea.

    Por Carlos Delgado Mayordomo.

  5. Ética y estéticas intempestivas

    Georges Didi-Huberman

    «Desear desobedecer. Lo que nos levanta. Georges Didi-Huberman. Abada, 2020. 574 páginas, 33 euros.

    Sobran razones para la desobediencia o, por lo menos, cuando hemos pasado aceleradamente del confinamiento al «aborregamiento», no está de más recordar que hay «causas perdidas» que merecen ser defendidas, aunque sea de modo intempestivo. El descoyuntamiento contemporáneo exigiría tomar posición o incluso partido, pero apenas quedan ánimos para plantearnos «cómo vivir juntos».

    Algunos establecieron hace unos años una suerte de invocación inercial a la «negativa a lo Bartleby», como si bastara con la pasividad o hasta el delirante elogio de la impotencia. Georges Didi-Huberman, analista obsesivo de las «imágenes supervivientes» (en un retorno a lo reprimido de la Historia del Arte que estaría sedimentado en el Atlas warburgiano), ha sabido montar un discurso crítico que le permite desplazarse desde los mínimos destellos de las luciérnagas hasta la pintura encarnada por Frenhofer, invocar el latido insurgente del pueblo o reconsiderar las fotografías de la histeria, componiendo historias a partir de drapeados o abriendo las venas para revelar deseos casi monstruosos.

    Desear desobedecer amplía la intensa meditación que realizó en la exposición Insurrecciones que comenzó su «andadura» en el Jeu de Paume (2017). El gesto del «hombre rebelde» era allí declinado de muchos modos, tanto a través de las formas pasionales cuanto en las detalladas lecturas.

    Más que lo enciclopédico, lo que encontramos en este imponente volumen son travesías, tentativas y tentaciones, ensayos y ejercicios de admiración en los que se recupera el aliento crítico. Didi-Huberman entreteje con una maestría admirable las consideraciones filosóficas, con una atención benjaminianamente micrológica, el rigor historiográfico y la preocupación por lo pulsional, sin perder de vista las «imágenes pese a todo». Unas sábanas tendidas que tienen algo de apariciones fantasmales, fotografíadas por Man Ray (Moving Sculpture, 1920), podrían servir de condensación emblemática de un deseo de algo diferente, esto es, de una utopía que está esperando un cuerpo más que una revelación.

    Sorteando la nostalgia, pero sin miedo a lo anacrónico, Didi-Huberman retoma el espectro del 68 y, en algunas de sus mejores páginas, reformula las ideas del último Foucault sobre el coraje de la verdad. El arte no tendría tanto que ver con la fabricación de objetos, sino con la apuesta por una «vida artística» que, no debemos olvidarlo, también puede suponer un ejercicio de militancia política.

    No es fácil escapar del sometimiento «al sujeto» ni parece que podamos sortear la vigilancia planetaria, controlados gracias a nuestra compulsión reticular, conducidos algorítmicamente hacia abismales naderías. La desobediencia adquiere en esta anomalía global un tono ético: es la herencia de una Ilustración que sigue estando insatisfecha.

    Por Fernando Castro Flórez

  6. Repensar el libro desde la fotografía

    Detalle de la publicación «Curso discurso»

    «Curso discurso». Gonzalo Golpe, Alejandro Marote y Ricardo Báez. Editorial Cabeza de Chorlito, 2020. 184 págs., 19 euros.

    Esta es una obra que da claves sobre el formato libro como experiencia narrativa visual; que lo despieza y analiza desde la perspectiva del que lo produce, sin olvidarse de quien lo recibe. Un acto de comunicación objetualizado que necesita de un proceso de autoreferencia. Esto es lo que nos proponen Gonzalo Golpe, Alejandro Marote y Ricardo Báez en Curso Discurso.

    Un ensayo visual y una pieza poética. En un momento de superproducción en el que la mayoría de los autores sueñan con ver sus proyectos materializados entre portadas y pliegos de papel, ellos nos proponen frenar máquinas para analizar la resonancia de este formato. Estos autores inciden en sus características y bondades, que deben tenerse en cuenta tanto por quienes quieren embarcarse en la aventura de pasar su trabajo a este medio complejo como para quienes se asoman a él como activadores final del dispositivo.

    ¿Cuántos libros tenemos en nuestras casas? ¿Cómo convivimos con ellos? ¿Sabemos realmente lo que tenemos entre manos cuando los disfrutamos? Los libros nos acompañan como entes dormidos que se accionan en un momento preciso, y sobre ese «accionarse» va concretamente esta propuesta.

    Un texto bien calibrado y estructurado nos acompaña por sus páginas como una letanía y, a su vez, las fotografías de Alejandro Marote hacen el resto. El devenir en página crea la magia: el encuentro con la idea hecha palabra en un juego tipográfico que la hace habitar en una cadencia concreta con la imagen.

    Tres autorías –la del texto, la de la imagen y la del diseño– se funden en la idea de qué es y cómo funciona el dispositivo que tenemos entre las manos, e invitan a reflexionar sobre el resto de libros que podemos llegar a ver y que hemos visto ya. Un metalenguaje sobre el curso de un libro, que, como un río, va discurriendo y fluye para deleite de quienes disfrutamos del objeto visual, de su cuerpo y alma, en un deseo de saber cómo funciona este en nuestra mente.

    Esta peculiar edición del diálogo entre tres autores se materializa gracias a dos editoriales valientes como SED Editorial, desde Argentina, y la madrileña Cabeza de Chorlito. Ambas prefieren no limitar conceptualmente un producto tan amplio, ya que este se sitúa transversalmente en diferentes estanterías de las librerías, las de ensayo y las de fotolibro, pasando por las de poesía; ambivalencia que le viene de una autoría colaborativa desde campos tan diversos.

    Por Isabel Lázaro

  7. Esta en la lista

    Detalle de «Diez artistas y el Museo del Prado» (La Fábrica)

    Rompo la baraja y nos les propongo un único libro, sino unos cuantos. Y dado que son estas fechas en las que hacemos mil listas de buenos propósitos, les invito a acercarse a volúmenes que son en sí mismos compendios de nombres. Listas y listas de creadores. Como El ABC del Arte, de Phaidon (35 euros), con una nueva versión de esta guía alfabética de los grandes, desde el medievo hasta hoy, que tiene en cuenta nuevas sensibilidades con cuarenta nuevas incorporaciones desde su edición de 1997.

    O el nuevo Catálogo razonado de la colección del Banco de España, un conjunto tan vasto (son 200 años de Historia que se traducen en 1.400 obras de 500 autores) que sus contenidos no caben en un único volumen, sino en tres, y que frente a su versión de 1985, tienen en cuenta no sólo a la pintura. Sus entradas se salpimentan con ensayos, entre otros, de su responsable, Yolanda Romero.

    En esta «joya de coleccionista» tienen ya cabida los autores contemporáneos. Diez de ellos, de Eduardo Arroyo a Juan Uslé, sin olvidar a la reciente Premio Velázquez Soledad Sevilla, entran en la principal pinacoteca nacional para batir su maestría y memoria con la de los grandes nombres de la Historia que alberga. El resultado es Diez artistas y el Museo del Prado (La Fábrica, 35 euros), coordinado por María de la Peña, una persona que conoció bien la institución como jefa de prensa.

    Y finalizo con otras historias de la Historia del Arte, las que ficcionaliza Francisco Carpio en Historia(s) del Arte ( LibrosInide, 15 euros), un delicioso volumen en el que combina su pasión por la disciplina con la literatura, cargando las tintas, nunca mejor dicho, en la intrahistoria de los grandes relatos.

    Por Javier Díaz-Guardiola

  8. El dibujo de Martins hecho palabra

    Uno de los dibujos de Jorge Martins

    «Cuadernos 1964-2020». Jorge Martins. MARCO, 2020. 704 paginas, 35 euros.

    Casualidades de la vida, me encontraba en el –impresionante, como los de todos los artistas portugueses– estudio de Jorge Martins (Lisboa, 1940) la mañana en que le llegó este libro, editado con ocasión de Sombras y paradojas, la exposición que acababa de celebrar en el MARCO de Vigo. Una versión distinta –distinta precisamente porque incorporaba los Cuadernos– de la que tuve ocasión de reseñar aquí un año antes y que recaló en el MEIAC de Badajoz poco antes de que falleciera Antonio Franco, su director desde la apertura del museo en 1995, a quien le dedica Fernández-Cid el primer texto de este grueso volumen.

    Tanto en Badajoz como en Lisboa tuve la fortuna de poder hablar durante unas horas con este extraordinario maestro del dibujo, un hombre que ha abordado la disciplina desde una perspectiva totalmente nueva y personal, deconstruyendo a lo largo de toda una vida cada una de sus propiedades formales y conceptuales: «Dibujo para comprender lo que es el dibujo».

    Supongo que Óscar Alonso Molina, amante confeso del dibujo y comisario de Sombras y paradojas, debió quedar tan fascinado como yo por el lúcido discurso de Martins; y al averiguar que éste poseía un impresionante conjunto de textos escritos a lo largo de cincuenta y seis años, él y Fernández-Cid consiguieron que se publicaran –¡ay, el mecenazgo portugués!– con ayuda de la Fundaçao Carmona e Costa.

    Esta es, pues, una valiosísima aportación a la bibliografía del arte del dibujo. Casi setecientas páginas –la mitad de ellas en portugués– repletas de aforismos de todo tipo, que le permiten al lector situar los millares de reflexiones sobre el dibujo en el contexto, más amplio, de la trayectoria vital e intelectual de este maestro, de sus influencias (por doquier, Malevich), sus lecturas, sus convicciones…

    Por ejemplo: «Dibujo porque no sé dibujar o porque tal vez no quiero dibujar lo que estoy viendo delante de los ojos sino lo que está detrás de ellos», pero también, «Valéry, el último gran pensador francés; ¡después de él Francia sólo ha tenido intelectuales!»

    . Esta edición de los Cuadernos de Martins se presenta profusamente ilustrada, por lo que su exhaustivo –aunque anárquico– desarrollo de una semiótica del dibujo –siempre centrada en sus límites y en sus diferencias respecto de la pintura– se apoya en cientos de ejemplos concretos. La prologan Miguel Fernández-Cid, director del MARCO, Óscar Alonso Molina, que ha seleccionado los textos, Joana Baião, que los transcribió, y José Gil.

    Por Javier Rubio Nomblot

https://www.abc.es/cultura/cultural/abci-obra-sobre-papel-libros-mas-recomendables-estas-fechas-202012220130_noticia.html

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